‘The Dark Side of the Moon’, l’album d’un autre monde de Pink Floyd qui a changé le visage de la musique
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L’album qui a transformé Pink Floyd d’un groupe de musique art-house à un groupe de renommée internationale et à succès commercial n’était autre que  The Dark Side of the Moon. Il y a eu des discussions au niveau de la thèse sur cet album pendant des années, laissant peu de place aux auditeurs modernes pour proposer de nouvelles perspectives. Néanmoins, l’opportunité de revisiter cet album marquant est suffisamment tentante pour s’engager dans une tâche aussi difficile. À seulement deux ans d’un demi-siècle glorieux, l’album a été synonyme de Floyd et souvent comparé à leur œuvre. Cependant, cette perspective écarte la trajectoire du groupe et limite la portée de l’interprétation de l’album en même temps. Peut-être l’évaluer de manière plus équilibrée signifierait-il le situer dans le parcours artistique du groupe et noter sa contribution d’une seule main qui a changé le paysage sonore pour toujours.

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Parlant de la trajectoire du groupe, la toile de fond de cet album demande une attention immédiate. Pink Floyd se préparait pour une tournée qui couvrait la Grande-Bretagne, le Japon et les États-Unis après la sortie de Meddle en 1971. Roger Waters a eu l’idée de développer leur nouvel album lors de leur long voyage chez ses camarades de groupe lors d’une de leurs sessions de répétition. Le thème qu’il a choisi pour l’album reflétait les pensées obsédantes qui surgissaient dans l’esprit des membres du groupe après l’incident de Syd Barrett. L’idée était de construire un album en utilisant des choses qui «rendent les gens fous», en se concentrant sur les exigences infinies de la vie publique et les problèmes de santé mentale qui en découlent. Il serait faux de suggérer que c’était un tout nouveau concept pour le groupe depuis leur album de 1969  The Man,  et le voyage tournait autour des mêmes idées. Pourtant, Le côté obscur de la lune  était différent en ce sens qu’il adoptait une approche plus directe en nommant catégoriquement les sujets de préoccupation. «Je pense que nous pensions tous – et Roger pensait définitivement – que beaucoup de paroles que nous utilisions étaient un peu trop indirectes», a déclaré David Gilmour dans une interview à Rolling Stone. «Il y avait définitivement le sentiment que les mots allaient être très clairs et précis.»

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Un album concept, c’est plutôt une extension d’un seul morceau qu’une collection de morceaux. Il aborde et explore les sombres réalités du temps, de la cupidité, des conflits, de la mort et de la maladie mentale. En fait, elle est motivée par l’émotion sous-jacente de la peur – la peur de ne pas être dans les parages, de s’isoler et de se perdre. Musicalement, l’album est construit sur des expériences à moitié faites que le groupe avait essayées dans leurs albums et performances live précédents. Cependant, il s’est débarrassé des pistes instrumentales étendues brevetées que le groupe a surutilisées pour combler le vide de Barrett après son départ en 1968. L’utilisation intelligente de la musique concrète a encore amélioré son effet sonore.

Alan Parsons, l’ingénieur du son de l’album, mérite beaucoup d’éloges. Esprit brillant, Parsons a utilisé une table de mixage à 16 canaux appelée EMI TG12345 au lieu du système d’enregistrement traditionnel à quatre ou huit pistes. Pour parler dans un anglais simple, cela a permis au groupe d’enregistrer 14 pistes sur des instruments séparés et de superposer plusieurs fois un seul instrument, créant un son riche et unique. Mais cette magie technique aurait été gaspillée si les compositions n’avaient pas été aussi spectaculaires. Le partenariat Waters et Gilmour atteint son apogée lors de la production de l’album. Ils ont amélioré leur créativité en se défiant sur le plan artistique tout en réussissant à se donner de l’espace. L’album témoigne de la synthèse ultime du style soul de Gilmour et de la nervosité de Waters, associée au clavier de Richard Wrights, incroyablement sous-estimé.

La maturité lyrique est notable dans cet album. Waters, prenant le contrôle de ce département, s’exprime avec une clarté qui faisait défaut dans les albums précédents. Il mélange l’intellect, la poésie et la pointe dans les bonnes proportions pour produire certains des contenus les plus exceptionnels de l’histoire du groupe.

Cinq morceaux de chaque côté de l’album illustrent différentes étapes de la vie humaine et s’attardent gravement sur leur valeur. «Parlez-moi» et «Respirez» aborde les éléments futiles et banals de la vie qui gouvernent un individu et conclut en s’exclamant: «N’ayez pas peur de vous soucier» et de vivre la vie pendant qu’elle dure. La scène passe rapidement à un aéroport dans «On the Run» et capture l’agitation du mouvement à travers l’instrument instrumental piloté par synthétiseur. Il fait également allusion à l’aérophobie de Wright et au stress et à l’anxiété qui entourent les voyages modernes. «Time» explore la peur de la mortalité et éveille les sens avec les sons d’alarmes et de carillons assourdissants. Le morceau alternant entre des sections complexes de guitare bluesy et de bridge soulful confirme le brillant travail d’équipe des quatre membres. Juste après l’intensité de ‘Time’, le son plonge dans un vide dans «Breathe (reprise)» où la solitude prévaut, tout comme le sentiment d’aliénation et de retrait. La face A se termine par «The Great Gig in the Sky», dont on se souvient principalement pour la participation de Clare Torry.

La face B s’ouvre avec le morceau «Money» et le son désormais emblématique des caisses enregistreuses. Il critique le capitalisme, le consumérisme dans la Grande-Bretagne socialiste d’avant Thatcher. Ironiquement cependant, la chanson est devenue un énorme succès commercial rendant Waters et ses camarades de groupe excessivement riches pour même commenter de telles questions. Alors que «Nous et eux» étudie les dichotomies dans la société, «Toute couleur que vous aimez» souligne le manque de choix que nous avons en tant qu’individus. «Brain Damage» traite de l’aspect de la santé mentale que le groupe était impatient d’aborder. La phrase «et si le groupe dans lequel vous êtes commence à jouer des morceaux différents» fait référence à la dépression de Syd Barrett qui a changé le cours du groupe. «Eclipse» tente d’unifier le public en soulignant les choses communes que nous partageons en tant qu’êtres humains.

Il existe des moments d’incohérences dans l’album, mais ceux-ci passent si vite qu’au moment où l’on l’interroge, ils sont à nouveau absorbés par les effets sonores triomphants qui dominent l’album. Mais le principal aspect festif de l’album est peut-être son potentiel à rester pertinent à la fois musicalement et lyriquement.

Source: Far out

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