La sculpture est la branche des arts visuels qui opère en trois dimensions. C’est l’un des arts plastiques. Les procédés sculpturaux durables utilisaient à l’origine la sculpture (enlèvement de matière) et la modélisation (adjonction de matière, comme de l’argile), dans la pierre, le métal, la céramique, le bois et d’autres matériaux, mais depuis le Modernisme, la liberté des matériaux et processus. Une grande variété de matériaux peuvent être travaillés par enlèvement, tels que la sculpture, assemblés par soudage ou modelage, moulés ou coulés.

 

La sculpture sur pierre survit beaucoup mieux que les œuvres d’art sur des matériaux périssables et représente souvent la majorité des œuvres survivantes (autres que la poterie) de cultures anciennes, bien que les traditions de la sculpture sur bois aient peut-être disparu presque entièrement. Cependant, la plupart des sculptures anciennes ont été peintes de couleurs vives, ce qui a été perdu .

La sculpture a joué un rôle central dans la dévotion religieuse dans de nombreuses cultures et, jusqu’aux siècles derniers, les grandes sculptures, trop chères pour les particuliers, étaient généralement une expression de la religion ou de la politique. Les cultures dont les sculptures ont survécu en grande quantité incluent les cultures de la Méditerranée antique, de l’Inde et de la Chine, ainsi que de l’Amérique centrale et du sud et de l’Afrique.

La tradition occidentale de la sculpture a débuté dans la Grèce antique, et l’on voit souvent en Grèce produire de grands chefs-d’œuvre de la période classique. Au Moyen Âge, la sculpture gothique représentait les agonies et les passions de la foi chrétienne. La renaissance de modèles classiques à la Renaissance a produit des sculptures célèbres telles que David de Michel-Ange. La sculpture moderniste s’est éloignée des processus traditionnels et de l’accent mis sur la représentation du corps humain, avec la fabrication de sculptures construites et la présentation d’objets trouvés en tant qu’œuvres d’art finies.

Types

La distinction fondamentale est faite entre la sculpture ronde et la sculpture autonome, telles que les statues, non attachées (sauf éventuellement à la base) à une autre surface, et les différents types de reliefs, qui sont au moins en partie attachés à une surface de fond. . Le relief est souvent classé en fonction du degré de projection du mur vers le bas ou le bas-relief, le haut relief et parfois un mi-relief intermédiaire. Le relief coulé est une technique restreinte à l’Égypte ancienne. Le relief est le moyen de sculpture habituel pour les grands groupes de personnages et les sujets narratifs, ce qui est difficile à réaliser dans le rond. C’est la technique typique utilisée à la fois pour la sculpture architecturale attachée aux bâtiments et pour la sculpture à petite échelle décorant d’autres objets, comme dans beaucoup de poterie, de ferronnerie et de bijoux. Les sculptures en relief peuvent également décorer des stèles, des dalles verticales, généralement en pierre, contenant souvent des inscriptions.

Une autre distinction fondamentale concerne les techniques de sculpture soustractive, qui permettent de retirer du matériau d’un bloc ou d’un bloc existant, par exemple de la pierre ou du bois, et les techniques de modélisation qui façonnent ou renforcent le travail à partir du matériau. Des techniques telles que le moulage, l’estampage et le moulage utilisent une matrice intermédiaire contenant le dessin pour produire le travail; beaucoup d’entre eux permettent la production de plusieurs copies.

Le terme “sculpture” est souvent utilisé pour décrire de grandes œuvres, parfois appelées sculptures monumentales, ce qui signifie l’une des sculptures (si elles sont grandes) ou celle qui est fixée à un bâtiment. Mais le terme est très simple, mais ce n’est pas le même que celui d’une voiture.

La très grande ou “colossale” statue a eu un attrait durable depuis l’Antiquité; la plus grande enregistrée à 182 m est la Statue of Unity indienne 2018. Une autre grande forme de sculpture de portrait est la statue équestre d’un cavalier à cheval, devenue rare au cours des dernières décennies. Les plus petites formes de sculpture de portrait grandeur nature sont la “tête”, montrant simplement cela, ou le buste, la représentation d’une personne à partir de la poitrine. Les petites formes de sculpture incluent la figurine, généralement une statue ne dépassant pas 18 pouces de hauteur, et pour les reliefs, la plaquette, la médaille ou la pièce de monnaie.

L’art moderne et contemporain a ajouté un certain nombre de formes de sculpture non traditionnelles, notamment la sculpture sonore, la sculpture légère, l’art environnemental, la sculpture environnementale, la sculpture de rue, la sculpture cinétique, le land art et des sites spécifiques. Art. La sculpture est une forme importante d’art public. Une collection de sculptures dans un jardin peut être appelée un jardin de sculptures.

Buts et sujets

L’un des buts les plus courants de la sculpture est d’associer la religion. Les images de culte sont courantes dans de nombreuses cultures, bien qu’elles ne soient souvent pas les statues colossales de divinités qui caractérisaient l’art grec ancien, comme la statue de Zeus à Olympie. Les images de culte dans les sanctuaires les plus profonds des temples égyptiens, dont aucun n’a survécu, étaient évidemment assez petites, même dans les plus grands temples. La même chose est souvent vraie dans l’hindouisme, où la forme la plus simple et la plus ancienne du lingamis est la plus courante. Le bouddhisme a amené la sculpture de personnages religieux en Asie de l’Est, où il ne semble pas y avoir eu de tradition équivalente auparavant, bien que des formes simples telles que le bi et le cong aient probablement une signification religieuse.

Les petites sculptures en tant que biens personnels remontent à l’art préhistorique le plus ancien, et l’utilisation de très grandes sculptures en tant qu’art public, en particulier pour impressionner le spectateur par le pouvoir d’un dirigeant, remonte au moins au grand sphinx d’il y a 4 500 ans. En archéologie et en histoire de l’art, l’apparition, et parfois la disparition, de grandes sculptures ou de sculptures monumentales dans une culture est considérée comme d’une grande importance, bien que retracer son apparition soit souvent compliqué par l’existence présumée de sculptures en bois et autres matériaux périssables dont aucune trace le totem est un exemple d’une tradition de sculpture monumentale en bois qui ne laisserait aucune trace de l’archéologie. La possibilité de mobiliser les ressources pour créer une sculpture monumentale, en transportant des matériaux généralement très lourds et en prenant en charge le paiement de ce qui est généralement considéré comme des sculpteurs à temps plein, est considérée comme une marque d’une culture relativement avancée en termes d’organisation sociale. Les récentes découvertes inattendues d’anciens personnages chinois de l’âge du bronze à Sanxingdui, dont certaines ont plus de deux fois la taille de l’homme, ont perturbé de nombreuses idées sur la civilisation chinoise ancienne, car seuls des bronzes beaucoup plus petits étaient connus auparavant. Certaines cultures sans aucun doute avancées, telles que la civilisation de la vallée de l’Indus, semblent n’avoir aucune sculpture monumentale, bien qu’elles aient produit des figurines et des sceaux très sophistiqués. La culture mississippienne semble avoir progressé vers son utilisation, avec de petites figures de pierre, lorsqu’elle s’est effondrée. D’autres cultures, telles que l’Égypte ancienne et l’île de Pâques, semblent avoir consacré d’énormes ressources à la sculpture monumentale à très grande échelle.

La collection de sculptures, y compris celle des périodes antérieures, remonte à environ 2 000 ans en Grèce, en Chine et en Méso-Amérique. De nombreuses collections étaient disponibles en exposition semi-publique bien avant l’invention du musée moderne. À partir du XXe siècle, l’éventail relativement restreint de sujets que l’on retrouve dans les grandes sculptures s’est considérablement élargi, avec des sujets abstraits et l’utilisation ou la représentation de tout type de sujet maintenant commun. Aujourd’hui, une grande partie de la sculpture est conçue pour être exposée de manière intermittente dans les galeries et les musées, et la capacité de transporter et de stocker les œuvres de plus en plus volumineuses est un facteur de leur construction. Les petites figurines décoratives, le plus souvent en céramique, sont aussi populaires aujourd’hui (bien que étrangement négligées par l’art moderne et contemporain) qu’elles l’étaient au Rococo ou dans la Grèce antique lorsque les figurines Tanagra étaient une industrie importante, ou dans les pays d’Asie orientale et précolombienne. art. De petites garnitures sculptées pour meubles et autres objets remontent bien dans l’Antiquité, comme dans les ivoires de Nimrud, les ivoires de Begram et les découvertes de la tombe de Toutankhamon.

La sculpture de portraits a commencé en Égypte, où la palette Narmer montre une règle du 32ème siècle avant notre ère, et en Mésopotamie, où nous avons 27 statues de Gudea, qui ont régné à l’époque de Lagash. 2144-2124 AEC. Dans la Grèce antique et à Rome, l’érection d’une statue de portrait dans un lieu public était presque la plus haute marque d’honneur et l’ambition de l’élite, qui pourrait également être représentée sur une pièce de monnaie. Dans d’autres cultures telles que l’Égypte et les statues publiques du Proche-Orient étaient presque exclusivement l’apanage du souverain, d’autres riches n’étant que dépeintes dans leurs tombeaux. Les dirigeants sont généralement les seules personnes à avoir reçu des portraits dans les cultures précolombiennes, à commencer par les têtes colossales olmèques d’il y a environ 3 000 ans. La sculpture de portrait d’Asie de l’Est était entièrement religieuse, les principaux membres du clergé étant commémorés par des statues, en particulier par les fondateurs des monastères, mais non par les dirigeants ou les ancêtres. La tradition méditerranéenne a été ravivée au Moyen Âge, au début pour les effigies de tombes et les monnaies, mais elle s’est considérablement développée à la Renaissance, ce qui a inventé de nouvelles formes telles que la médaille du portrait personnel.

Les animaux sont, avec la figure humaine, le premier sujet de sculpture, et ont toujours été des monstres populaires, parfois réalistes, mais souvent imaginaires; en Chine, les animaux et les monstres sont presque les seuls sujets traditionnels de la sculpture sur pierre en dehors des tombes et des temples. Le royaume des plantes n’est important que dans les bijoux et les reliefs décoratifs, mais ceux-ci forment la quasi-totalité des grandes sculptures d’art byzantin et d’art islamique, et sont très importants dans la plupart des traditions eurasiennes, où des motifs tels que la palmette et le parchemin de vigne sont passés ouest depuis plus de deux millénaires.

Une forme de sculpture trouvée dans de nombreuses cultures préhistoriques à travers le monde est une version spécialement agrandie d’outils, d’armes ou de vaisseaux ordinaires créés dans des matériaux précieux et peu pratiques, destinés à un usage cérémoniel, à des expositions ou à des offrandes. Le jade ou d’autres types de roches vertes ont été utilisés en Chine, à Olmec au Mexique et en Europe néolithique et, au début de la Mésopotamie, de grandes formes de poterie ont été réalisées en pierre. Le bronze était utilisé en Europe et en Chine pour les grands axes et les grandes lames, comme le Dirk Oxborough.

Matériaux et techniques

Les matériaux utilisés en sculpture sont variés et évoluent au cours de l’histoire. Les matériaux classiques, avec une durabilité exceptionnelle, sont le métal, en particulier le bronze, la pierre et la poterie, avec du bois, de l’os et du bois moins durables, mais des options moins chères. Des matériaux précieux tels que l’or, l’argent, le jade et l’ivoire sont souvent utilisés pour les petites œuvres de luxe, et parfois pour les plus grandes, comme dans les statues chryséléphantines. Des matériaux plus courants et moins coûteux ont été utilisés pour la sculpture, pour une consommation plus large, y compris les bois feuillus (tels que le chêne, le buis / buis et le tilleul / tilleul); terre cuite et autres céramiques, cire (matériau très courant pour les modèles de fonderie et réception des empreintes de joints de cylindre et de gemmes gravées) et métaux moulés tels que l’étain et le zinc (fileur). Mais un grand nombre d’autres matériaux ont été utilisés dans le cadre de sculptures, tant dans les œuvres ethnographiques anciennes que dans les œuvres modernes.

Les sculptures sont souvent peintes, mais perdent généralement leur peinture au fil du temps, voire des restaurateurs. De nombreuses techniques de peinture ont été utilisées dans la sculpture: tempera, peinture à l’huile, dorure, peinture pour la maison, aérosol, émail et sablage au jet.

De nombreux sculpteurs recherchent de nouveaux moyens et matériaux pour créer de l’art. L’une des sculptures les plus célèbres de Pablo Picasso comprenait des éléments de bicyclette. Alexander Calder et d’autres modernistes ont fait un usage spectaculaire de l’acier peint. Depuis les années 1960, les acryliques et autres plastiques ont également été utilisés. Andy Goldsworthy réalise ses sculptures inhabituellement éphémères à partir de matériaux presque entièrement naturels dans des environnements naturels. Certaines sculptures, telles que la sculpture sur glace, la sculpture sur sable et le gaz, ont délibérément une vie courte. Les sculpteurs récents ont utilisé le vitrail, des outils, des pièces de machines, du matériel et des emballages de produits de consommation pour façonner leurs œuvres. Les sculpteurs utilisent parfois des objets trouvés, et les roches d’un érudit chinois sont appréciées depuis des siècles.

Pierre

La sculpture sur pierre est une activité ancienne où des morceaux de pierre naturelle brute sont formés par l’enlèvement contrôlé de la pierre. En raison de la permanence du matériau, il est prouvé que même les sociétés les plus anciennes se livraient à une forme de travail de la pierre, bien que toutes les régions du monde ne disposent pas d’une telle abondance de bonnes pierres à sculpter que l’Egypte, la Grèce, l’Inde et la plupart des pays d’Europe. . Les pétroglyphes (également appelés gravures rupestres) sont peut-être la forme la plus ancienne: images créées en enlevant une partie de la surface rocheuse restée in situ, en incisant, en picorant, en gravant et en abrasant. La sculpture monumentale couvre les grandes œuvres et la sculpture architecturale, qui est fixée aux bâtiments. La sculpture sur pierre dure consiste à sculpter à des fins artistiques des pierres semi-précieuses telles que le jade, l’agate, l’onyx, le cristal de roche, le sard ou la cornaline, ainsi qu’un terme général désignant un objet fabriqué de cette manière. Le gypse minéral ou albâtre est un minéral doux qui est facile à sculpter pour de petites œuvres et qui est encore relativement durable. Les gemmes gravées sont de petites gemmes taillées, y compris des camées, utilisées à l’origine comme des bagues d’étanchéité.

La copie d’une statue originale en pierre, qui était très importante pour les statues grecques anciennes, qui sont presque toutes connues sous forme de copies, était traditionnellement réalisée par “pointage”, ainsi que par des méthodes plus à main levée. Le pointage impliquait la mise en place d’une grille de carrés de ficelle sur un cadre en bois entourant l’original, puis la mesure de la position sur la grille et la distance entre la grille et la statue d’une série de points individuels, puis l’utilisation de cette information pour sculpter le bloc de la copie est faite.

Métal

Le bronze et les alliages de cuivre associés sont les métaux les plus anciens et les plus populaires pour les sculptures en métal coulé; une sculpture en bronze fondu est souvent appelée simplement “bronze”. Les alliages de bronze courants ont la propriété inhabituelle et souhaitable de s’étendre légèrement juste avant de durcir, remplissant ainsi les plus fins détails d’un moule. Leur force et leur manque de fragilité (ductilité) constituent un avantage lorsque des figures en action doivent être créées, en particulier lorsqu’elles sont comparées à divers matériaux en céramique ou en pierre (voir la sculpture en marbre pour plusieurs exemples). L’or est le métal le plus doux et le plus précieux, très important dans les bijoux; avec de l’argent, il est assez souple pour être travaillé avec des marteaux et autres outils, ainsi que moulé; le repoussé et la chasse font partie des techniques utilisées dans l’or et l’orfèvrerie.

La coulée est un groupe de procédés de fabrication par lesquels un matériau liquide (bronze, cuivre, verre, aluminium, fer) est (habituellement) versé dans un moule, qui contient une cavité creuse de la forme souhaitée, puis laissé se solidifier. Le moulage solide est ensuite éjecté ou cassé pour compléter le processus, bien qu’une étape finale de “travail à froid” puisse suivre le moulage final. La coulée peut être utilisée pour former des métaux liquides chauds ou divers matériaux qui durcissent à froid après le mélange de composants (tels que des époxydes, du béton, du plâtre et de l’argile). Le moulage est le plus souvent utilisé pour créer des formes complexes qui seraient autrement difficiles ou peu économiques à réaliser par d’autres méthodes. La coulée la plus ancienne qui a survécu est une grenouille mésopotamienne en cuivre datant de 3200 av. J.-C.  Les techniques spécifiques comprennent la coulée de cire perdue, la coulée de moules en plâtre et la coulée en sable.

Le soudage est un processus où différentes pièces de métal sont fusionnées pour créer différentes formes et conceptions. Il existe différentes formes de soudage, telles que le soudage à l’oxygène, le soudage à la baguette, le soudage MIG et le soudage TIG. L’oxy-carburant est probablement la méthode de soudage la plus courante pour créer des sculptures en acier, car il est le plus facile à utiliser pour façonner l’acier et pour réaliser des assemblages propres et moins visibles de l’acier. La clé de la soudure à l’oxy-carburant consiste à chauffer chaque pièce de métal pour qu’elle soit assemblée de manière uniforme jusqu’à ce que toutes soient rouges et brillent. Une fois que chaque pièce aura brillé, elle deviendra bientôt un «bassin» dans lequel le métal sera liquéfié et le soudeur devra faire en sorte que les piscines se rejoignent pour faire fondre le métal. Une fois refroidi, le lieu où les piscines se sont jointes est maintenant une pièce de métal continue. La création de sculptures en oxy-carburant est également très utilisée. La forge consiste à chauffer le métal jusqu’à un certain point pour le ramollir suffisamment pour lui permettre de prendre différentes formes. Un exemple très courant consiste à chauffer l’extrémité d’une tige en acier et à frapper la pointe chauffante rouge avec un marteau pendant que l’enclume forme une pointe. Entre les coups de marteau, le faussaire fait tourner la tige et forme progressivement un point aiguisé à partir de l’extrémité émoussée d’une tige en acier.

Verre

Le verre peut être utilisé pour la sculpture à travers un large éventail de techniques de travail, bien que son utilisation pour les grandes œuvres soit un développement récent. Il peut être sculpté avec une difficulté considérable; la coupe romaine de Lycurgus est tout sauf unique. Le coulage à chaud peut être effectué en versant du verre en fusion dans des moules créés en pressant des formes dans du sable, du graphite sculpté ou des moules détaillés en plâtre / silice. Le moulage en verre du four consiste à chauffer des morceaux de verre dans un four jusqu’à ce qu’ils soient liquides et s’écoulent dans un moule en attente situé au-dessous du four. Le verre peut également être soufflé et / ou sculpté à chaud avec des outils à main, soit sous forme de masse solide, soit en tant qu’élément d’un objet soufflé. Des techniques plus récentes impliquent le ciselage et le collage de verre à plaque avec des silicates polymères et la lumière UV.

 

Poterie

La poterie est l’un des matériaux les plus anciens pour la sculpture, de même que l’argile est le support dans lequel de nombreuses sculptures en métal sont modelées à l’origine pour la coulée. Les sculpteurs construisent souvent de petits travaux préliminaires appelés maquettes de matériaux éphémères tels que le plâtre de Paris, la cire, l’argile non cuite ou la pâte à modeler. De nombreuses cultures ont produit des poteries qui associent une fonction de récipient à une forme sculpturale, et les petites figurines ont souvent été aussi populaires que dans la culture occidentale moderne. Les timbres et les moules étaient utilisés par la plupart des civilisations anciennes, de la Rome antique à la Mésopotamie en passant par la Chine.

 

Sculpture sur bois

La sculpture sur bois est une pratique extrêmement répandue, mais elle survit beaucoup moins bien que les autres matériaux principaux, car elle est vulnérable à la pourriture, aux insectes et au feu. Il constitue donc un élément caché important de l’histoire de l’art de nombreuses cultures. La sculpture sur bois en plein air ne dure pas longtemps dans la plupart des régions du monde, de sorte que nous n’avons aucune idée du développement de la tradition du totem. La plupart des sculptures les plus importantes de la Chine et du Japon, en particulier, sont en bois, de même que la grande majorité des sculptures africaines et celles de l’Océanie et d’autres régions.

Le bois est léger, il convient donc parfaitement aux masques et autres sculptures à porter et peut prendre des détails très fins. Il est également beaucoup plus facile de travailler que la pierre. Il a été très souvent peint après la taille, mais la peinture s’use moins bien que le bois et manque souvent dans les pièces survivantes. Le bois peint est souvent décrit techniquement comme “bois et polychrome”. En règle générale, une couche de gesso ou de plâtre est appliquée sur le bois, puis la peinture est appliquée sur celui-ci.

Statut social des sculpteurs

Dans le monde entier, les sculpteurs sont généralement des artisans dont le travail n’est pas signé; dans certaines traditions, par exemple en Chine, où la sculpture ne partageait pas le prestige de la peinture littéraire, cela affectait le statut de la sculpture elle-même. Même dans la Grèce antique, où des sculpteurs tels que Phidias sont devenus célèbres, ils semblent avoir conservé à peu près le même statut social que les autres artisans et ne recevaient peut-être pas une plus grande récompense financière, bien que certains aient signé leurs œuvres. Au Moyen Âge, des artistes tels que Gislebert du XIIe siècle signaient parfois leur travail et étaient recherchés par différentes villes, notamment à partir du Trecento en Italie, avec des personnalités telles que Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano et son fils Giovanni. Les orfèvres et les bijoutiers, qui traitaient de matériaux précieux et faisaient souvent office de banquiers, appartenaient à de puissantes guildes et jouissaient d’un statut considérable, occupant souvent des fonctions civiques. De nombreux sculpteurs ont également pratiqué d’autres arts; Andrea del Verrocchio a également peint et Giovanni Pisano, Michelangelo et Jacopo Sansovino étaient des architectes. Certains sculpteurs ont maintenu de grands ateliers. Même à la Renaissance, Léonard de Vinci et d’autres pensaient que la nature physique de l’œuvre abaissait le statut de la sculpture dans les arts, bien que la réputation de Michel-Ange ait peut-être mis un terme à cette idée conservée depuis longtemps.

À partir de la Haute Renaissance, des artistes tels que Michel-Ange, Leone Leoni et Giambologna pourraient devenir riches et ennoblis et entrer dans le cercle des princes après une période de vive discussion sur le statut relatif de la sculpture et de la peinture. La plupart des sculptures décoratives sur les bâtiments restent un métier, mais les sculpteurs produisant des pièces individuelles sont reconnus au même titre que les peintres. À partir du XVIIIe siècle ou avant, la sculpture attirait également les étudiants de la classe moyenne, bien que cela fût plus lent que la peinture. Les femmes sculpteurs mettaient plus de temps à apparaître que les femmes peintres et étaient moins présentes jusqu’au 20ème siècle.

Mouvements anti-sculpture

L’aniconisme resta limité au judaïsme, qui n’accepta la sculpture figurative qu’au 19ème siècle , avant de s’étendre au christianisme primitif, qui acceptait initialement les grandes sculptures. Dans le christianisme et le bouddhisme, la sculpture est devenue très importante. L’orthodoxie orientale chrétienne n’a jamais accepté la sculpture monumentale et l’Islam a toujours rejeté presque toutes les sculptures figuratives, à l’exception de très petites figures en relief et de figures animales remplissant une fonction utile, comme les célèbres lions supportant une fontaine de l’Alhambra. De nombreuses formes de protestantisme n’approuvent pas non plus la sculpture religieuse. Il y a eu beaucoup d’iconoclasmes de la sculpture pour des motifs religieux, depuis les premiers chrétiens jusqu’à la destruction de la réforme protestante à la destruction en 2001 des bouddhas de Bamyan par les talibans.

Histoire

Périodes préhistoriques

Europe

Les premiers exemples de sculpture non contestés appartiennent à la culture aurignacienne, située en Europe et en Asie du sud-ouest et active au début du Paléolithique supérieur. En plus de produire certains des plus anciens arts rupestres connus, les membres de cette culture développèrent des outils de pierre de fabrication fine, fabriquant des pendentifs, des bracelets, des perles en ivoire et des flûtes en os, ainsi que des figurines en trois dimensions.

Löwenmensch, haut de 30 cm, trouvé dans la région de Hohlenstein Stadel en Allemagne est une figure anthropomorphe homme-lion sculptée dans un ivoire de mammouth laineux. Il a été daté entre 35 000 et 40 000 BP environ, ce qui en fait, avec la Vénus de Hohle Fels, le plus ancien exemple incontesté connu d’art figuratif .

L’art préhistorique ayant survécu est constitué principalement de petites sculptures portables, avec un petit groupe de figurines féminines telles que la Vénus de Willendorf (24–26 000 BP) trouvées dans toute l’Europe centrale. Le renne nageur d’il y a environ 13 000 ans est l’un des plus beaux parmi un certain nombre de sculptures magdaléniennes en os ou en bois d’animaux appartenant à l’art du Paléolithique supérieur, bien qu’elles soient en infériorité numérique avec des pièces gravées, parfois classées en tant que sculptures.  Deux des plus grandes sculptures préhistoriques se trouvent dans les grottes du Tuc d’Audobert en France, où il y a environ 12 à 17 000 ans, un sculpteur magistral utilisait un outil en pierre ressemblant à une spatule et des doigts pour modeler une paire de grands bisons en argile contre du calcaire roche. 

Avec le début du mésolithique en Europe, la sculpture figurative a été considérablement réduite [25] et est restée un élément moins courant dans l’art que la décoration en relief d’objets pratiques jusqu’à l’époque romaine, malgré certaines œuvres comme le chaudron Gundestrup de l’âge du fer européen et Le char de soleil Trundholm de l’âge du bronze.

Ancien Proche-Orient

Depuis le Proche-Orient antique, l’Urfa Man, pierre de taille trop longue, provient de la Turquie moderne et date de 9 000 ans avant notre ère. Les statues d’Ain Ghazal datent d’environ 7200 et 6500 ans avant notre ère. Ils proviennent de la Jordanie moderne, de plâtre à la chaux et de roseaux, et ont une taille moyenne d’environ la moitié; il y a 15 statues, certaines avec deux têtes côte à côte et 15 bustes. De petites figures d’argile représentant des personnes et des animaux se trouvent dans de nombreux sites du Proche-Orient avant le néolithique, à proximité du Proche-Orient, et représentent le début d’une tradition plus ou moins continue dans la région.

Ancien Proche-Orient

La période protolitérée en Mésopotamie, dominée par Uruk, a vu la production d’œuvres sophistiquées comme les sceaux-cylindres Warka Vaseand. La lionne de Guennol est une petite figure exceptionnelle en calcaire d’Elam située entre 3000 et 2800 ans avant notre ère, à la fois humaine et partiellement lionne. Un peu plus tard, un certain nombre de figures de prêtres et de fidèles aux grands yeux, principalement en albâtre et d’une hauteur pouvant aller jusqu’à un pied, ont assisté aux représentations de la divinité dans le culte du temple, mais très peu d’entre elles ont survécu. Les périodes sumérienne et akkadienne avaient généralement de grands yeux fixes et une longue barbe sur les hommes. De nombreux chefs-d’œuvre ont également été découverts au cimetière royal d’Ur (environ 2650 av. J.-C.), notamment les deux personnages d’un bélier dans un fourré, le taureau de cuivre et une tête de taureau sur l’un des Lyres d’Ur.

Parmi les nombreuses périodes qui ont précédé l’ascension de l’empire néo-assyrien au 10ème siècle avant notre ère, l’art mésopotamien existe sous différentes formes: sceaux cylindriques, figures rondes relativement petites et reliefs de tailles variées, notamment des plaques de poterie moulée bon marché pour la maison, certains religieux et d’autres apparemment non. Le Burney Relief est une plaque en terre cuite d’une déesse nue ailée nue avec les pieds d’un oiseau de proie, ainsi que de hiboux et de lions accompagnateurs, inhabituellement élaborée et relativement grande (20 x 15 pouces, 50 x 37 cm). Il provient des 18ème ou 19ème siècles avant notre ère, et peut également être moulé.  On trouve également dans les temples des stèles de pierre, des offrandes votives ou probablement commémorant des victoires et montrant des fêtes, qui, contrairement aux plus officielles, manquent d’inscriptions qui les expliqueraient; la fragmentaire stèle des vautours est un des premiers exemples du type inscrit , et l’obélisque noir assyrien de Shalmaneser III, un grand et solide dernier .

La conquête de la totalité de la Mésopotamie et des territoires environnants par les Assyriens créa un État plus vaste et plus riche que celui que la région avait connu auparavant, ainsi que des œuvres d’art très grandioses dans les palais et les lieux publics, sans doute en partie destinées à égaler le faste de l’art du théâtre. empire égyptien voisin. Contrairement aux États précédents, les Assyriens pouvaient utiliser de la pierre facilement sculptée du nord de l’Irak, et ce, en grande quantité. Les Assyriens développèrent un style de schémas extrêmement vastes de bas-reliefs narratifs très finement détaillés en pierre pour palais, avec des scènes de guerre ou de chasse; Le British Museum possède une collection exceptionnelle, comprenant la chasse au lion d’Asurbanipal et les reliefs de Lachish illustrant une campagne. Ils ne produisirent que très peu de sculptures rondes, à l’exception des énormes gardiens du lamassu à tête humaine, sculptés en haut-relief sur les deux côtés d’un bloc rectangulaire, avec les têtes efficacement rondes (ainsi que cinq jambes, de sorte que les deux vues semblent complètes). Avant même de dominer la région, ils avaient perpétué la tradition des joints cylindriques avec des dessins souvent exceptionnellement énergiques et raffinés.

Égypte ancienne

La sculpture monumentale de l’Égypte ancienne est célèbre dans le monde entier, mais il existe de plus en plus de petites œuvres délicates et délicates. Les Égyptiens utilisaient la technique distinctive du relief en creux, qui convient bien à un soleil très intense. Les figures principales en reliefs adhèrent à la même convention de figuration qu’en peinture, avec les jambes écartées (non assises) et la tête vue de côté, mais le torse de face et un ensemble standard de proportions constituant la figure, en utilisant 18 “poings” pour aller du sol à la racine des cheveux sur le front. Cela apparaît dès la Palette Narmer de Dynasty I. Cependant, là comme ailleurs, la convention n’est pas utilisée pour les personnages mineurs représentés engagés dans certaines activités, telles que les captifs et les cadavres. D’autres conventions rendent les statues d’hommes plus sombres que celles de femmes. Les statues de portrait très conventionnelles apparaissent dès la dynastie II, avant 2 780 av. J.-C.  et à l’exception de l’art de la période d’Amarken pour Ahkenaten et de certaines autres périodes telles que la dynastie XII, les traits idéalisés des souverains , à l’instar d’autres conventions artistiques égyptiennes, n’a guère changé qu’après la conquête grecque.

Les pharaons égyptiens ont toujours été considérés comme des divinités, mais d’autres divinités sont beaucoup moins communes dans les grandes statues, sauf lorsqu’elles représentent le pharaon comme une autre divinité; Cependant, les autres divinités sont fréquemment représentées dans les peintures et les reliefs. La célèbre rangée de quatre statues colossales à l’extérieur du temple principal à Abou Simbel montre chacune Ramsès II, un schéma typique, bien qu’ici exceptionnellement grand.Les petites figures de divinités, ou leurs personnifications animales, sont très courantes et se retrouvent dans des matériaux populaires tels que la poterie. La plupart des sculptures plus grandes survivent des temples ou des tombeaux égyptiens; par Dynasty IV (2680-2565 AEC) au plus tard l’idée de la statue de Ka était fermement établie. Celles-ci ont été placées dans des tombeaux comme lieu de repos pour la partie ka de l’âme. Nous disposons donc d’un bon nombre de statues moins conventionnelles d’administrateurs aisés et de leurs femmes, beaucoup en bois, l’Egypte étant l’un des rares endroits dans le monde. monde où le climat permet au bois de survivre pendant des millénaires. Les soi-disant têtes de réserve, têtes sans poil, sont particulièrement naturalistes. Les premières tombes contenaient également de petits modèles d’esclaves, d’animaux, d’édifices et d’objets tels que des bateaux nécessaires au défunt pour qu’il puisse continuer à vivre dans l’au-delà, puis plus tard aux figures d’Ushabti.

Europe

La Grèce ancienne

Le premier style distinctif de la sculpture grecque antique s’est développé au cours de la période cycladique de l’Âge du bronze ancien (3e millénaire avant notre ère), où des figures de marbre, généralement de petite taille, sont représentées dans un style géométrique simplifié avec élégance. Le plus typique est une posture debout avec les bras croisés devant, mais d’autres figures sont montrées dans des poses différentes, y compris une figure compliquée d’un harpiste assis sur une chaise.

Les cultures minoenne et mycénienne qui ont suivi ont développé la sculpture plus loin, sous l’influence de la Syrie et d’ailleurs, mais c’est à la fin de la période archaïque, vers 650 avant notre ère, que les kouros se sont développés. Ce sont de grandes statues debout de jeunes nus, trouvées dans les temples et les tombes, avec le kore comme l’équivalent féminin vêtu, avec les cheveux minutieusement vêtus; les deux ont le “sourire archaïque”. Ils semblent avoir rempli de nombreuses fonctions, représentant parfois des divinités et parfois la personne ensevelie dans une tombe, comme avec les Kroisos Kouros. Ils sont clairement influencés par les styles égyptien et syrien, mais les artistes grecs étaient beaucoup plus disposés à expérimenter au sein de ce style.

Au cours du VIe siècle, la sculpture grecque se développa rapidement, devenant de plus en plus naturaliste et présentant des figures beaucoup plus actives et variées dans les scènes narratives, tout en restant dans les conventions idéalisées. Des frontons sculptés ont été ajoutés aux temples, notamment au Parthénon d’Athènes, où les restes du fronton d’environ 520 utilisant des figures arrondies ont heureusement servi de remplissage pour de nouveaux bâtiments après le sac persan de 480 avant notre ère, et récupérés à partir des années 1880. état frais et frais. D’autres vestiges importants de la sculpture architecturale proviennent de Paestum en Italie, de Corfou, de Delphes et du temple d’Aphaïa à Égine (beaucoup plus à Munich).  La plupart des sculptures grecques comprenaient à l’origine au moins un peu de couleur; Le musée Ny Carlsberg Glyptotek de Copenhague, au Danemark, a effectué des recherches approfondies et reconstitué les couleurs originales.

Classique

Il y a moins de restes originaux de la première phase de la période classique, souvent appelée style Severe; Les statues autoportantes étaient maintenant principalement en bronze, qui valait toujours pour la ferraille. Le style Severe a duré de 500 à 170 reliefs, et peu après 480 de statues à environ 450. Les poses relativement rigides des personnages relâchés, les positions de rotation asymétriques et les vues obliques sont devenues courantes et délibérément recherchées. Cela a été associé à une meilleure compréhension de l’anatomie et de la structure harmonieuse des figures sculptées et à la poursuite de la représentation naturaliste en tant que but, ce qui n’était pas le cas auparavant. Les fouilles au temple de Zeus, à Olympie depuis 1829, ont révélé le plus grand groupe de vestiges, d’environ 460, dont beaucoup se trouvent au Louvre.

La période “Haute classique” n’a duré que quelques décennies, de 450 à 400 ans, mais a eu une influence considérable sur l’art et conserve un prestige particulier, malgré un nombre très limité de survivants. Les œuvres les plus connues sont les marbres du Parthénon, traditionnellement (depuis Plutarque) exécutées par une équipe dirigée par le plus célèbre sculpteur grec Phidias, actif entre 465 et 425 environ, qui était à son époque plus célèbre pour son colossal Statue chryséléphantine. à Olympie (c. 432), l’une des sept merveilles du monde antique, son Athéna Parthénos (438), l’image culte du Parthénon, et Athéna Promachos, une colossale figure de bronze qui se tenait à côté du Parthénon; tous sont perdus mais sont connus de nombreuses représentations. Il est également crédité en tant que créateur de statues de bronze grandeur nature, connues uniquement d’exemplaires ultérieurs dont l’identification est controversée, notamment de Ludovisi Hermes.

Le style High Classical a continué à développer le réalisme et la sophistication de la figure humaine et a amélioré la représentation de la draperie (vêtements), en l’utilisant pour renforcer l’impact des poses actives. Les expressions du visage étaient généralement très contenues, même dans les scènes de combat. La composition de groupes de personnages en reliefs et sur les frontons allie complexité et harmonie de manière à influer de manière permanente sur l’art occidental. Le relief pourrait en effet être très élevé, comme dans l’illustration ci-dessous sur le Parthénon, où la majeure partie de la jambe du guerrier est complètement détachée de l’arrière-plan, de même que les parties manquantes; Ce relief rendait les sculptures plus sujettes aux dommages. Le style classique tardif développa la statue de femme nue debout, supposée être une innovation de Praxiteles, et développa des poses de plus en plus complexes et subtiles, intéressantes à regarder sous plusieurs angles, ainsi que des visages plus expressifs. les deux tendances devaient être prises beaucoup plus loin dans la période hellénistique.

Hellénistique

La période hellénistique est conventionnellement datée de la mort d’Alexandre le Grand en 323 avant notre ère et s’achève soit avec la conquête finale du cœur grec par Rome en 146 avant notre ère, soit avec la défaite finale du dernier État-successeur de l’empire d’Alexandre après la Bataille d’Actium en 31 av. J.-C., qui marque également la fin de la Rome républicaine. Il est donc beaucoup plus long que les périodes précédentes et comprend au moins deux phases principales: un style d’expérimentation “Pergamene”, une exubérance et une certaine sentimentalité et vulgarité, et au IIe siècle avant notre ère, un retour classique à une simplicité et à une élégance plus austères; au-delà de ces généralisations, la datation est généralement très incertaine, en particulier lorsque seules des copies ultérieures sont connues, comme c’est habituellement le cas. Le style initial de Pergamene n’était pas spécialement associé à Pergame, d’où il tire son nom, mais les très riches rois de cet État ont été parmi les premiers à collectionner et à copier les sculptures classiques, et ont également commandé de nombreuses nouvelles œuvres, notamment le célèbre autel de Pergame. dont la sculpture est maintenant principalement à Berlin et qui illustre le nouveau style, tout comme le mausolée d’Halicarnasse (un autre des sept merveilles), le célèbre Laocoön et ses fils dans les musées du Vatican, un exemple tardif et l’original en bronze de The Dying La Gaule (illustrée en haut), qui, nous le savons, faisait partie d’un groupe commandé à Pergame vers 228 avant notre ère, dont la Gaule Ludovisi était également une copie. Le groupe appelé le taureau Farnèse, peut-être un original en marbre du IIe siècle, est toujours plus grand et plus complexe.

La sculpture hellénistique a considérablement élargi la gamme des sujets représentés, en partie grâce à une prospérité générale accrue et à l’émergence d’une classe très riche dotée de grandes maisons ornées de sculptures, bien que nous sachions que certains exemples de sujets qui semblent mieux convenir à la maison , tels que les enfants avec des animaux, ont en fait été placés dans des temples ou d’autres lieux publics. Les figurines Tanagra et d’autres centres de production industrielle de petites figurines en poterie représentaient un marché beaucoup plus populaire que ce dernier, certaines religieuses mais d’autres représentant des animaux et des dames élégamment vêtues. Les sculpteurs acquièrent de plus en plus de compétences techniques pour représenter des expressions faciales exprimant une grande variété d’émotions et de portraits d’individus, ainsi que pour représenter différents âges et races. Les reliefs du mausolée sont assez atypiques à cet égard; la plupart des travaux étaient des œuvres libres et les compositions de groupe comprenant plusieurs personnages se rencontraient, comme le groupe Laocoon et le groupe Pergamon célébrant la victoire sur les Gaulois, qui étaient rares auparavant. Le faune de Barberini, montrant un satyre endormi, vraisemblablement après avoir bu, est un exemple du relâchement moral de l’époque et de la volonté de créer de grandes et coûteuses sculptures contenant des sujets qui échappent à l’héroïsme.

Après les conquêtes d’Alexandre, la culture hellénistique dominait dans les tribunaux de la plupart des pays du Proche-Orient et de certaines parties de l’Asie centrale et était de plus en plus adoptée par les élites européennes, en particulier en Italie, où les colonies grecques contrôlaient initialement la plus grande partie du Sud. L’art hellénistique et les artistes se sont répandus très largement et ont exercé une influence particulière dans la république romaine en expansion et dans sa rencontre avec le bouddhisme dans les prolongements les plus à l’est de la région hellénistique. Le soi-disant imposant Alexander Sarcophage, trouvé à Sidon dans le Liban moderne, y aurait probablement été fabriqué au début de la période par des artistes grecs expatriés pour le compte d’un gouverneur persan hellénisé. La richesse de cette période a entraîné une augmentation considérable de la production de formes de luxe de petites sculptures, notamment des pierres précieuses et des camées gravés, des bijoux ainsi que de l’or et de l’argenterie.

L’Europe après les Grecs

Sculpture romaine

L’art romain primitif a été influencé par l’art de la Grèce et celui des Étrusques voisins, eux-mêmes fortement influencés par leurs partenaires commerciaux grecs. Une spécialité étrusque consistait en des effigies de tombes en terre cuite de la taille de la vie, se trouvant généralement au-dessus d’un couvercle de sarcophage posé sur un coude dans la posture d’un dîneur à cette époque. Alors que la République romaine en pleine expansion commençait à conquérir le territoire grec, d’abord dans le sud de l’Italie, puis dans tout le monde hellénistique, à l’exception de l’extrême-orient parthe, la sculpture officielle et patricienne devint en grande partie une extension du style hellénistique, à partir duquel il est difficile de démêler, d’autant plus que tant de sculptures grecques ne survivent que dans des copies de la période romaine. Au IIe siècle avant notre ère, “la plupart des sculpteurs travaillant à Rome” étaient grecs , souvent asservis lors de conquêtes telles que celle de Corinthe (146 avant notre ère), et les sculpteurs étaient toujours des Grecs, souvent des esclaves, dont le nom rarement enregistré. Un grand nombre de statues grecques ont été importées à Rome, que ce soit sous forme de butin ou d’extorsion ou de commerce, et les temples étaient souvent décorés d’œuvres grecques réutilisées.

Un style italien typique peut être vu dans les monuments funéraires, qui comportent souvent des bustes de portraits de prospères Romains de la bourgeoisie, et le portrait est sans doute la principale force de la sculpture romaine. Il n’ya pas eu de survivance de la tradition des masques d’ancêtres portés lors des processions funéraires des grandes familles et affichés à la maison, mais bon nombre des bustes qui survivent doivent représenter des figures ancestrales, peut-être des grandes tombes familiales telles que les Tombe des Scipions ou de la mausolée tardive en dehors de la ville. La fameuse tête de bronze supposément de Lucius Junius Brutus est très variée, mais considérée comme une survivance très rare du style italique sous la République, dans le médium préféré du bronze. De la même manière, on voit des têtes sévères et puissantes sur les pièces de monnaie de la République défunte et, à l’époque impériale, les pièces de monnaie ainsi que les bustes envoyés autour de l’Empire pour être placés dans les basiliques des villes de province étaient la principale forme visuelle de la propagande impériale; Même Londinium avait une statue de Néron presque colossale, bien que beaucoup plus petite que celle du Colosse de Néron, haut de 30 mètres, qui a été perdue à Rome.

Les Romains ne cherchaient généralement pas à concurrencer les œuvres grecques libres d’explosions héroïques de l’histoire ou de la mythologie, mais ils ont très tôt créé des œuvres historiques en relief, culminant dans les grandes colonnes triomphales romaines avec des reliefs narratifs continus qui s’enroulent autour de ceux-ci. commémorant Trajan (CE 113) et Marc Aurèle (en 193) survivent à Rome, où l’Ara Pacis (“Autel de la Paix”, 13 av. J.-C.) représente le style gréco-romain officiel dans son style le plus classique et le plus raffiné. Parmi les autres exemples majeurs, citons les reliefs précédemment réutilisés de l’arc de Constantin et la base de la colonne d’Antoninus Pius (161). Les reliefs de Campana étaient des versions moins chères de la terre de marbre et le goût des reliefs était impérial. période étendue au sarcophage. Toutes les formes de petites sculptures de luxe continuaient à être fréquentées et la qualité pouvait être extrêmement élevée, comme dans la coupe d’argent Warren, la coupe Lycurgus en verre et les grands camées tels que Gemma Augustea, Gonzaga Cameo et le «Grand Cameo de France». Pour une partie beaucoup plus large de la population, des décorations en relief moulées de vases en poterie et de petites figurines ont été produites en grande quantité et de qualité souvent considérable.

Après avoir traversé une phase “baroque” de la fin du IIe siècle au IIIe siècle, l’art romain a été en grande partie abandonné ou tout simplement devenu incapable de produire la sculpture dans la tradition classique, un changement dont les causes restent très discutées. Même les plus importants monuments impériaux présentaient maintenant des figures trapues et aux grands yeux dans un style frontal sévère, dans des compositions simples mettant en valeur le pouvoir aux dépens de la grâce. Le contraste est illustré à merveille dans l’arc de Constantin de 315 à Rome, qui associe des sections du nouveau style à des rondelles du style gréco-romain complet pris d’ailleurs, et aux Quatre tétrarques (c. 305) de la nouvelle capitale de Constantinople, maintenant à Venise. Ernst Kitzinger a retrouvé dans les deux monuments les mêmes “proportions trapues, mouvements angulaires, un ordre des pièces par symétrie et répétition et un rendu des traits et des plis du drapé par des incisions plutôt que par des modélisations … dureté emphatique, lourdeur et angularité – en bref, un rejet presque complet de la tradition classique “.

Cette révolution de style a peu de temps précédé la période d’adoption du christianisme par l’État romain et la grande majorité de la population, entraînant la fin de la grande sculpture religieuse, les grandes statues n’étant plus utilisées que par les empereurs. Cependant, les riches chrétiens ont continué à commander des reliefs pour les sarcophages, comme dans le sarcophage de Junius Bassus, et les chrétiens ont continué à réaliser une très petite sculpture, notamment en ivoire, en s’inspirant du style du diptyque consulaire.

Haut Médiéval et Byzantin

Les premiers chrétiens s’opposaient à la sculpture religieuse monumentale, mais restaient fidèles aux traditions romaines en matière de bustes de portraits et de reliefs de sarcophages, ainsi qu’à des objets plus petits tels que le diptyque consulaire. De tels objets, souvent faits de matériaux précieux, constituaient également les principales traditions sculpturales (à notre connaissance) des civilisations barbares de la période de migration, comme le montrent les objets trouvés dans le trésor funéraire de Sutton Hoo datant du VIe siècle, ainsi que les bijoux de l’art scythe et des productions hybrides de styles animal et chrétien d’art insulaire. Fidèle à la tradition byzantine, l’art carolingien a relancé la sculpture sur ivoire, souvent en panneaux pour reliures au trésor de grands manuscrits enluminés, ainsi que de têtes de crozier et autres petits accessoires.

L’art byzantin, bien qu’il produise de superbes reliefs en ivoire et des sculptures décoratives architecturales, n’est jamais revenu à la sculpture monumentale, ni même à de très petites sculptures rondes. Cependant, à l’ouest, durant les périodes carolingienne et ottonienne, on a commencé à produire des statues monumentales, dans des tribunaux et dans de grandes églises. Cela s’est progressivement étendu; à la fin du Xe et au XIIe siècle, plusieurs églises anglo-saxonnes, probablement en métal précieux entourées d’un cadre en bois, ressemblent à plusieurs sculptures apparemment grandeur nature, comme la Vierge dorée d’Essen. Aucun exemple anglo-saxon n’a survécu, et les survivances de grandes sculptures non architecturales antérieures à 1.000 sont exceptionnellement rares. La plus belle est la croix de Gero, de 965 à 970, qui est un crucifix, qui était évidemment le type de sculpture le plus répandu; Charlemagne en avait installé une dans la chapelle palatine à Aix-la-Chapelle vers 800. Leur popularité n’a cessé de croître, notamment en Allemagne et en Italie. Les pierres runiques du monde nordique, les pierres pictes d’Écosse et peut-être les hauts reliefs croisés de la Grande-Bretagne chrétienne, étaient des traditions sculpturales du Nord qui ont jeté un pont sur la période de christianisation.

Roman

À partir de 1000 environ, la production artistique a repris dans toute l’Europe, grâce à la croissance économique générale de la production et du commerce, et le nouveau style de l’art roman a été le premier style médiéval utilisé dans l’ensemble de l’Europe occidentale. Les nouvelles cathédrales et églises de pèlerins étaient de plus en plus décorées avec des reliefs architecturaux en pierre et de nouveaux centres de sculpture se développaient, tels que le tympan au-dessus des portes des églises au XIIe siècle et la capitale habitée avec des personnages et souvent des scènes narratives. Les églises abbatiales remarquables avec des sculptures incluent en France Vézelay et Moissac et en Espagne Silos.

L’art roman se caractérisait par un style très vigoureux à la fois en sculpture et en peinture. Les chapiteaux de colonnes n’ont jamais été aussi excitants que dans cette période, où ils étaient souvent sculptés de scènes complètes comportant plusieurs figures. Le grand crucifix en bois était une innovation allemande dès le début de la période, de même que les statues libres du trône Madonna, mais le haut-relief était avant tout le mode sculptural de l’époque. Les compositions avaient généralement peu de profondeur et devaient faire preuve de souplesse pour se glisser dans la forme des chapiteaux et des typanums d’église; la tension entre un cadre très fermé, d’où s’échappe parfois la composition, est un thème récurrent dans l’art roman. La taille des personnages variait encore souvent en fonction de leur importance. Le portrait n’existait presque pas.

Les objets en matériaux précieux tels que l’ivoire et le métal avaient un statut très élevé à l’époque, bien plus que la sculpture monumentale – nous connaissons les noms de ceux qui en font plus que les peintres, les enlumineurs ou les architectes-maçons. Les ouvrages en métal, y compris la décoration en émail, sont devenus très sophistiqués et de nombreux sanctuaires spectaculaires faits de reliques ont survécu. Le plus connu d’entre eux est le sanctuaire des trois rois de la cathédrale de Cologne de Nicolas de Verdun. Le chandelier en bronze Gloucester et la fonte laiton de 1108-17 actuellement installés à Liège sont de superbes exemples, très différents dans leur style, de la fonte des métaux, l’ancien très complexe et énergique, qui s’appuie sur la peinture manuscrite, tandis que la fonte montre le style mosan à son meilleur classique et majestueux. Les portes en bronze, une colonne de triomphe et d’autres installations de la cathédrale de Hildesheim, les portes Gniezno et les portes de la basilique Saint-Zénon de Vérone sont d’autres vestiges importants. L’aquamanile, contenant d’eau pour se laver, semble avoir été introduit en Europe au 11ème siècle et a souvent pris des formes zoomorphes fantastiques; les exemples survivants sont principalement en laiton. De nombreuses empreintes de cire d’impressionnants sceaux subsistent sur des chartes et des documents, bien que les pièces de monnaie romanes ne présentent généralement pas un grand intérêt esthétique.

La Croix des Cloîtres est un crucifix en ivoire d’une taille inhabituelle, avec une sculpture complexe comprenant de nombreuses figures de prophètes et d’autres, qui a été attribuée à l’un des rares artistes dont le nom est connu, Maître Hugo, qui a également illuminé des manuscrits. Comme beaucoup de pièces, il était à l’origine partiellement coloré. Les joueurs d’échecs de Lewis sont des exemples bien conservés de petits ivoires, dont il reste de nombreuses pièces ou fragments provenant de croziers, de plaques, de croix pectorales et d’objets similaires.

Gothique

La période gothique est essentiellement définie par l’architecture gothique et ne correspond pas tout à fait à l’évolution du style de la sculpture, que ce soit à son début ou à sa fin. Les façades des grandes églises, en particulier autour des portes, contenaient toujours de grands typanums, mais aussi des rangées de personnages sculptés se propageant autour d’elles. Les statues du portail occidental (royal) de la cathédrale de Chartres (environ 1145) montrent un allongement colonnaire élégant mais exagéré, mais celles du portail du transept sud, de 1215 à 1220, montrent un style plus naturaliste et un décollement croissant du mur situé derrière et une certaine conscience de la tradition classique. Ces tendances se sont poursuivies sur le portail ouest de la cathédrale de Reims quelques années plus tard, où les chiffres sont presque arrondis, comme cela est devenu habituel à mesure que le gothique se répandait dans toute l’Europe.

En Italie, Nicola Pisano (1258-1278) et son fils Giovanni développèrent un style souvent appelé Proto-Renaissance, avec une influence indéniable sur les sarcophages romains et des compositions sophistiquées et encombrées, comprenant une gestion sympathique de la nudité, avec des panneaux en relief sur la chaire de La cathédrale de Sienne (1265-1268), la Fontana Maggiore à Pérouse et la chaire de Giovanni à Pistoia en 1301. Un autre renouveau du style classique s’observe dans l’œuvre gothique internationale de Claus Sluter et de ses disciples en Bourgogne et en Flandre vers 1400. La sculpture gothique tardive a continué dans le nord, avec une mode pour de très grands retables sculptés en bois avec une sculpture de plus en plus virtuose et un grand nombre de figures expressives agitées; la plupart des exemples survivants se trouvent en Allemagne, après beaucoup d’iconoclasmes ailleurs. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss et d’autres ont poursuivi ce style jusqu’au XVIe siècle, absorbant progressivement les influences de la Renaissance italienne.

Les effigies de tombes grandeur nature en pierre ou en albâtre sont devenues populaires pour les riches, et de grandes tombes à plusieurs niveaux ont évolué, avec les tombes Scaliger de Vérone si grandes qu’elles ont dû être déplacées en dehors de l’église. Au 15ème siècle, il existait une industrie qui exportait des reliefs d’autel en albâtre de Nottingham en groupes de panneaux sur une grande partie de l’Europe, à destination de paroisses économiques qui ne pouvaient pas se permettre des retables de pierre. Les petites sculptures, destinées à un marché essentiellement non féminin et souvent féminin, sont devenues une industrie considérable à Paris et dans d’autres centres. Les types d’ivoires comprenaient de petits polyptyques de dévotion, des personnages isolés, en particulier de la Vierge, des miroirs, des peignes et des cercueils complexes comportant des scènes de Romances, utilisés comme cadeaux de fiançailles. Les très fortunés collectionnaient extravagamment des ouvrages en métal émaillé, ornés de pierres précieuses et religieuses, comme le reliquaire sacré du duc de Berry, jusqu’à ce qu’ils manquent d’argent, avant d’être fondus à nouveau pour de l’argent.

 

Renaissance

La sculpture de la Renaissance proprement dite commence souvent par le fameux concours pour les portes du Baptistère de Florence en 1403, à partir duquel survivent les modèles de procès soumis par le gagnant, Lorenzo Ghiberti et Filippo Brunelleschi. Les portes de Ghiberti sont toujours en place, mais ont été sans aucun doute éclipsées par son deuxième couple pour l’autre entrée, les soi-disant portes du paradis, qui l’ont emmené de 1425 à 1452. Ce sont des compositions classiques avec une profondeur variée de reliefs permettant des arrière-plans variés Au cours des années écoulées, Donatello, premier assistant de Ghiberti, se développa avec des statues majeures, dont ses Davids en marbre (1408-09) et en bronze (1440), et sa statue équestre de Gattamelata, ainsi que des reliefs . Andrea del Verrocchio, bien connu pour sa statue équestre de Bartolomeo Colleoni à Venise 80; son élève Léonard de Vinci conçut une sculpture équine en 1482, The Horse for Milan, mais ne réussit qu’à faire une sculpture. modèle d’argile au pied (7,3 m) qui a été détruit par les archers français en 1499, et ses autres projets sculpturaux ambitieux n’ont jamais été achevés.

La période a été marquée par une forte augmentation du mécénat de la sculpture par l’État pour l’art public et par les nantis pour leurs demeures; En Italie surtout, la sculpture publique reste un élément crucial de l’apparition des centres-villes historiques. La sculpture de l’église s’est surtout déplacée à l’intérieur, alors que les monuments publics extérieurs se généralisaient. La sculpture de portrait, généralement en buste, devint populaire en Italie vers 1450, avec le Napolitain Francesco Laurana spécialisé dans les poses méditatives de jeunes femmes, tandis qu’Antonio Rossellino et d’autres représentaient plus souvent des hommes aux visages pointus, mais également des jeunes enfants. La médaille de portrait inventée par Pisanello représente également souvent des femmes; Les plaquettes en relief étaient une autre nouvelle forme de sculpture en métal coulé.

Michelangelo fut un sculpteur actif de 1500 à 1520 environ, et ses grands chefs-d’œuvre, notamment ses David, Pietà et Moïse, ainsi que des pièces pour la tombe du pape Jules II et la chapelle de Médicis ne pouvaient être ignorés par les sculpteurs suivants. Son emblématique David (1504) a une contrapposition, empruntée à la sculpture classique. Il diffère des représentations précédentes du sujet en ce que David est décrit avant sa bataille avec Goliath et non après la défaite du géant. Au lieu de se montrer victorieux, comme Donatello et Verocchio, David a l’air tendu et prêt à se battre.

Maniériste

Comme dans la peinture, la sculpture maniériste primitive italienne visait en grande partie à trouver un style original qui surpasserait la réalisation de la Haute Renaissance, qui signifie essentiellement Michel-Ange, et une grande partie de la lutte pour y parvenir a été menée à bien autres lieux de la Piazza della Signoria à Florence, à côté du David de Michel-Ange. Baccio Bandinelli reprit le projet d’Hercule et de Cacus au maître lui-même, mais il était un peu plus populaire qu’aujourd’hui et comparé avec malveillance à un “sac de melons” par Benvenuto Cellini, bien qu’il ait eu un effet durable introduire des panneaux en relief sur le piédestal des statues. Comme d’autres œuvres de son maniérisme et d’autres maniéristes, il supprime beaucoup plus du bloc original que ne l’aurait fait Michelange. Le bronze de Cellini, Persée, avec la tête de Méduse, est certes un chef-d’œuvre, conçu selon huit angles de vue, une autre caractéristique maniériste, mais il est en effet maniéré par rapport aux Davids de Michel-Ange et Donatello. Cellar (1543) fut sa première sculpture et montre tout son talent. Comme le montrent ces exemples, la période a étendu la gamme des sujets laïques pour les grandes œuvres au-delà des portraits, avec des figures mythologiques particulièrement favorisées; Auparavant, ceux-ci étaient principalement trouvés dans de petites œuvres.

Les figurines de bronze des armoires de collection, représentant souvent des sujets mythologiques avec nus, constituaient une forme populaire de la Renaissance au cours de laquelle Giambologna, à l’origine flamand mais basé à Florence, excellait à la fin du siècle en créant également des sculptures grandeur nature. collection sur la Piazza della Signoria. Lui et ses partisans ont mis au point des exemples élégants et allongés de la figura serpentinata, souvent de deux personnages entrelacés, qui étaient intéressants sous tous les angles.

Baroque et Rococo

Dans la sculpture baroque, les groupes de personnages ont acquis une nouvelle importance et il y avait un mouvement dynamique et une énergie de formes humaines – ils gravissaient en spirale autour d’un vortex central vide ou s’étendaient vers l’extérieur dans l’espace environnant. Les sculptures baroques présentaient souvent de multiples angles de vision idéaux et reflétaient le prolongement général de la Renaissance, délaissant ainsi le relief pour former des sculptures créées en rond et conçues pour être placées au milieu d’un grand espace: des fontaines élaborées telles que la Fontana dei Quattro de Bernini. Le fiumi (Rome, 1651) ou ceux des jardins de Versailles étaient une spécialité baroque. Le style baroque convenait parfaitement à la sculpture, Gian Lorenzo Bernini étant la figure dominante de l’époque dans des œuvres telles que L’extase de sainte Thérèse (1647-1652) [88]. Une grande partie de la sculpture baroque a ajouté des éléments extra-sculpturaux, par exemple, un éclairage caché ou des fontaines à eau, ou une sculpture et une architecture fusionnées pour créer une expérience transformatrice pour le spectateur. Les artistes se voyaient comme dans la tradition classique, mais admiraient la sculpture hellénistique puis romaine, plutôt que celle des périodes plus “classiques” telles qu’elles sont vues aujourd’hui.

 

La Réforme protestante a mis un terme presque total à la sculpture religieuse dans une grande partie de l’Europe du Nord et, bien que la sculpture profane, notamment pour les bustes de portraits et les monuments funéraires, ait continué, l’âge d’or hollandais ne comporte aucune composante sculpturale significative en dehors de l’orfèvrerie. [90] En partie en réaction directe, la sculpture occupait une place aussi importante dans le catholicisme romain qu’à la fin du Moyen Âge. Les statues des souverains et de la noblesse sont devenues de plus en plus populaires. Au XVIIIe siècle, les sculptures de style baroque continuèrent à se répandre: la fontaine de Trevi ne fut achevée qu’en 1762. Le style rococo convenait mieux aux œuvres de petite taille et trouva sans doute sa forme sculpturale idéale dans la porcelaine du début de l’Europe, et les décorations intérieures en bois ou en comme ceux des intérieurs domestiques français et des églises de pèlerinage autrichiennes et bavaroises.

Néo-classique

Le style néoclassique qui est arrivé à la fin du 18ème siècle a donné une grande importance à la sculpture. Jean-Antoine Houdon illustre bien la sculpture de portrait pénétrante que le style pourrait produire et les nu d’Antonio Canova l’aspect d’aspect idéaliste du mouvement. La période néoclassique a été l’un des grands âges de la sculpture publique, bien que ses prototypes «classiques» aient plus de chances d’être des copies romaines de sculptures hellénistiques. En sculpture, les représentants les plus familiers sont l’Italien Antonio Canova, l’Anglais John Flaxman et le Danois Bertel Thorvaldsen. La manière européenne néoclassique a également pris racine aux États-Unis, où son apogée a eu lieu un peu plus tard et est illustrée par les sculptures de Hiram Powers.

Asie

Sculpture gréco-bouddhiste et Asie

L’art gréco-bouddhiste est la manifestation artistique du gréco-bouddhisme, syncrétisme culturel entre la culture grecque classique et le bouddhisme, qui s’est développé pendant près de 1000 ans en Asie centrale, entre les conquêtes d’Alexandre le Grand au 4ème siècle avant notre ère. , et les conquêtes islamiques du 7ème siècle de notre ère. L’art gréco-bouddhiste se caractérise par le fort réalisme idéaliste de l’art hellénistique et par les premières représentations du Bouddha sous forme humaine, qui ont contribué à définir le canon artistique (et particulièrement sculptural) de l’art bouddhiste sur tout le continent asiatique. Bien que la datation soit incertaine, il semble que des styles fortement hellénistiques se soient maintenus à l’Est pendant plusieurs siècles après leur déclin autour de la Méditerranée, jusqu’au 5ème siècle de notre ère. Certains aspects de l’art grec ont été adoptés alors que d’autres ne se sont pas étendus au-delà de la région gréco-bouddhiste; en particulier la figure debout, souvent avec une pose détendue et une jambe fléchie, et les cupids ou victoires volants, qui sont devenus populaires dans toute l’Asie en tant qu’aspsaras. La décoration de feuillage grec était également influente, avec des versions indiennes de la capitale corinthienne.

Les origines de l’art gréco-bouddhiste se trouvent dans le royaume hellénistique gréco-bactérien (250-130 av. J.-C.), situé dans l’Afghanistan d’aujourd’hui, à partir duquel la culture hellénistique s’est répandue dans le sous-continent indien avec la création du petit royaume indo-grec ( 180-10 AEC). Sous les Indo-Grecs, puis les Kushans, l’interaction de la culture grecque et bouddhiste a prospéré dans la région de Gandhara, dans le nord du Pakistan, avant de s’étendre plus loin dans l’Inde, influençant l’art de Mathura, puis l’art hindou de l’empire de Gupta. , qui devait s’étendre au reste de l’Asie du Sud-Est. L’influence de l’art gréco-bouddhiste s’est également étendue vers le nord jusqu’en Asie centrale, affectant fortement l’art du bassin du Tarim et des grottes de Dunhuang, et finalement la figure sculptée en Chine, en Corée et au Japon.

Chine

Les bronzes rituels chinois des dynasties Shang et Western Zhou datent de plus de mille ans. 1500 BCE, et ont exercé une influence continue sur l’art chinois. Ils présentent des motifs complexes et des décorations zoomorphes, mais évitez la figure humaine, contrairement aux énormes figures récemment découvertes à Sanxingdui. La spectaculaire armée de terre cuite fut assemblée pour la tombe de Qin Shi Huang, premier empereur d’une Chine unifiée de 221 à 210 avant notre ère, comme une grande version impériale des personnages placés depuis longtemps dans les tombes afin de permettre au défunt de jouir du même mode de vie. la vie après la mort comme si elle vivait, remplaçant les sacrifices réels des toutes premières périodes. De plus petites figures en poterie ou en bois ont été placées dans des tombes pendant de nombreux siècles après, atteignant un sommet de qualité dans les figures de la tombe de la dynastie Tang. La tradition des figures de poterie exceptionnellement grandes a persisté en Chine, à travers des figures de tombes sancai Tang, puis de statues bouddhistes plus récentes, telles que le jeu de poteries luohan de Yixian grandeur nature et, plus tard, de figures de temples et de tombes. Celles-ci sont venues remplacer les équivalents antérieurs du bois.

Les religions chinoises autochtones n’utilisent généralement pas d’images de culte, ni même les représentent, et la grande sculpture religieuse est presque entièrement bouddhiste, datant principalement du 4ème au 14ème siècle, et utilise initialement des modèles gréco-bouddhistes arrivant par la Route de la Soie. Le bouddhisme est également le contexte de toutes les grandes sculptures de portrait; Contrairement à d’autres régions, dans la Chine médiévale, même des images peintes de l’empereur étaient considérées comme privées. Les tombes impériales ont des voies d’approche spectaculaires bordées d’animaux réels et mythologiques à une échelle similaire à celle de l’Égypte, et des versions plus petites décorent les temples et les palais.

De petites figures et groupes bouddhistes ont été produits avec une très grande qualité dans divers médias, de même que des décorations en relief d’objets de toutes sortes, en particulier de ferronnerie et de jade. Dans les périodes antérieures, de grandes quantités de sculptures étaient découpées dans la roche vivante dans les complexes de grottes de pèlerinage et en dehors des reliefs rocheux. Celles-ci étaient pour la plupart peintes à l’origine. Contrairement aux peintres lettrés, les sculpteurs de toutes sortes étaient considérés comme des artisans et très peu de noms ont été enregistrés. À partir de la dynastie Ming, des statuettes de personnages religieux et laïques ont été réalisées en porcelaine chinoise et dans d’autres médias, qui sont devenus un important produit d’exportation.

Japon

Vers la fin de la longue période néo-lithique Jōmon, certains vases en poterie étaient “cerclés de flammes” avec des extensions extravagantes que l’on ne peut qualifier que de sculptures [100], et des figures de dogū en poterie très stylisées ont été produites, beaucoup avec la caractéristique “neige” -goggle “yeux. Au cours de la période Kofun du 3ème au 6ème siècle de notre ère, des figures humaines et animales en terre cuite haniwa dans un style simpliste ont été érigées à l’extérieur de tombes importantes. L’arrivée du bouddhisme au 6ème siècle a entraîné des traditions sophistiquées en sculpture, des styles chinois véhiculés par la Corée. Le Hōryū-ji (VIIe siècle) et son contenu ont survécu plus intacts que n’importe quel temple bouddhiste d’Asie de l’Est, avec des œuvres comprenant une Trinité Shaka de 623 en bronze, montrant le Bouddha historique flanqué de deux bodhisattvas ainsi que les rois gardiens du Quatre directions.

L’image en bois (IXe siècle) de Shakyamuni, le Bouddha “historique”, enchâssé dans un bâtiment secondaire du Murō-ji, est typique de la sculpture de Heian au début, avec son corps pesant recouvert d’épais plis de draperies sculptés dans le Le style shiki (rolling-wave) et son expression faciale austère et retirée. L’école de sculpteurs Kei, en particulier Unkei, a créé un nouveau style de sculpture plus réaliste.

Presque toutes les grandes sculptures subséquentes au Japon étaient bouddhistes, avec quelques équivalents shinto, et après le déclin du bouddhisme au Japon au XVe siècle, la sculpture monumentale devint en grande partie une décoration architecturale et moins importante. Cependant, le travail sculptural dans les arts décoratifs a été développé avec un niveau remarquable de réalisation technique et de raffinement dans de petits objets tels que l’inro et le netsuke dans de nombreux matériaux, ainsi que dans les montures en métal tosogu ou japonais. Au XIXe siècle, il existait des industries d’exportation de petites sculptures en bronze d’une virtuosité extrême, de figurines en ivoire et en porcelaine et d’autres types de petites sculptures mettant davantage l’accent sur les réalisations techniques.

Inde

La première sculpture connue dans le sous-continent indien provient de la civilisation de la vallée de l’Indus (3300–1700 av. J.-C.), trouvée sur des sites de Mohenjo-Daro et Harappa dans le Pakistan moderne. Ceux-ci incluent la célèbre petite danseuse en bronze. Cependant, de tels personnages en bronze et en pierre sont rares et beaucoup moins nombreux que les figurines en poterie et les sceaux de pierre, souvent d’animaux ou de divinités très finement représentées. Après l’effondrement de la civilisation de la vallée de l’Indus, il n’ya guère eu de traces de sculpture jusqu’à l’ère bouddhiste, mis à part un trésor de figures de cuivre de (quelque peu controversé) c. 1500 avant JC de Daimabad. [103] Ainsi, la grande tradition de la sculpture monumentale indienne en pierre semble commencer, par rapport aux autres cultures, et le développement de la civilisation indienne, relativement tard, avec le règne d’Asoka de 270 à 232 av. J.-C. et les piliers d’Ashoka qu’il érigea autour de l’Inde. portant ses édits et surmonté de sculptures célèbres d’animaux, principalement des lions, dont six survivent. De grandes quantités de sculptures figuratives, la plupart du temps en relief, subsistent des stupas des pèlerinages bouddhistes, notamment des Sanchi; ceux-ci sont probablement issus d’une tradition utilisant du bois qui englobe également l’hindouisme.

Les sculptures hindoues, jaïnes et bouddhistes en grès rose de Mathura du Ier au IIIe siècle de notre ère reflétaient à la fois les traditions indiennes autochtones et les influences occidentales reçues grâce à l’art gréco-bouddhiste de Gandhara, et constituèrent effectivement la base de la sculpture religieuse indienne ultérieure. Le style a été développé et diffusé dans la majeure partie de l’Inde sous l’empire Gupta (environ 320 à 550), qui reste une période “classique” de la sculpture indienne, couvrant les anciennes grottes d’Ellora, bien que les grottes d’Elephanta soient probablement un peu plus tardives. Plus tard, les sculptures à grande échelle restent presque exclusivement religieuses et généralement plutôt conservatrices, revenant souvent à de simples postures debout debout pour des divinités, bien que les esprits qui les accompagnent, tels que les apsaras et les yakshi, aient souvent des postures courbées sensuellement. La sculpture est souvent très détaillée, avec un support complexe derrière la silhouette principale en haut relief. Les célèbres bronzes de la dynastie Chola (environ 850-1250) du sud de l’Inde, dont beaucoup sont conçus pour être conduits en processions, incluent la forme emblématique de Shiva comme Nataraja, avec les énormes sculptures de granit de Mahabalipuram datant du précédent Pallava. dynastie.

Asie du sud-est

La sculpture de la région a tendance à être caractérisée par un degré élevé d’ornementation, comme en témoignent les grands monuments de la sculpture khmère hindoue et bouddhiste (IXe-XIIIe siècles) à Angkor Wat et ailleurs, l’énorme complexe bouddhiste du IXe siècle à Borobudur en Java et les monuments hindous de Bali. Celles-ci comprennent de nombreux reliefs ainsi que des chiffres en rond; Borobudur compte 2 672 panneaux en relief, 504 statues de Bouddha, de nombreuses semi-dissimulées dans des stupas ajourés et de nombreuses grandes figures gardiennes.

En Thaïlande et au Laos, la sculpture consistait principalement en images de Bouddha, souvent dorées, de grandes dimensions pour les temples et les monastères, et de petites figurines pour les maisons privées. La sculpture traditionnelle au Myanmar est apparue avant l’ère Bagan. Comme ailleurs dans la région, la plupart des sculptures en bois des périodes Bagan et Ava ont été perdues. Plus tard, au Vietnam, au Laos et au Cambodge, l’influence chinoise prédominait et de plus en plus de sculptures en bois subsistaient dans toute la région.

L’islam

L’islam étant célèbre pour son caractère aniconique, la grande majorité de la sculpture consiste en une décoration d’arabesques en relief ou ajourées, reposant sur des motifs végétaux, mais tendant vers des formes abstraites géométriques. Au tout début de la façade de Mshatta (années 740), située principalement à Berlin, des animaux se trouvent dans les arabesques denses en haut-relief et des figures d’animaux et d’hommes en bas-relief sont associées à des décorations sur de nombreuses pièces ultérieures de divers matériaux, y compris le travail des métaux, l’ivoire et la céramique.

Les figures d’animaux dans la ronde étaient souvent acceptables pour les œuvres utilisées dans des contextes privés si l’objet était clairement pratique, de sorte que l’art islamique médiéval contient de nombreux animaux métalliques qui sont des aquamaniles, des brûleurs d’encens ou des supports pour des fontaines, comme dans les lions de pierre soutenant le célèbre dans l’Alhambra, culminant avec la plus grande figure animale islamique médiévale connue, le griffon de Pise. De la même manière, les sculptures de luxe en pierre dure, telles que les poignées et les coupes de poignard, peuvent être formées comme des animaux, en particulier dans l’art moghol. Le degré d’acceptabilité de tels assouplissements de règles islamiques strictes varie selon les périodes et les régions, l’Espagne islamique, la Perse et l’Inde étant souvent à l’origine de l’assouplissement et est généralement plus élevé dans les contextes judiciaires.

Afrique

Historiquement, à l’exception de quelques sculptures égyptiennes monumentales, la plupart des sculptures africaines ont été créées en bois et autres matériaux organiques qui n’ont pas survécu il y a quelques siècles; des figures de poterie plus anciennes proviennent de plusieurs régions. Les masques sont des éléments importants de l’art de nombreux peuples, ainsi que des figures humaines, souvent très stylisées. Il existe une grande variété de styles, variant souvent dans le même contexte d’origine en fonction de l’utilisation de l’objet, mais de larges tendances régionales sont apparentes. La sculpture est plus répandue parmi les “groupes de cultivateurs sédentaires installés dans les zones drainées par les fleuves Niger et Congo” en Afrique de l’Ouest. Les images directes de divinités sont relativement rares, mais les masques en particulier sont ou ont souvent été fabriqués pour des cérémonies religieuses; aujourd’hui, beaucoup sont faites pour les touristes en tant qu ‘”art d’aéroport”. Les masques africains exerçaient une influence sur l’art moderniste européen, qui s’inspirait de leur manque d’intérêt pour la représentation naturaliste.

Le royaume nubien de Kush, au Soudan moderne, était en contact étroit et souvent hostile avec l’Égypte et produisit des sculptures monumentales dérivées principalement de styles du nord. En Afrique de l’Ouest, les premières sculptures connues appartiennent à la culture Nok, qui a prospéré entre 500 ans avant notre ère et 500 ans avant notre ère au Nigéria moderne. Ses figures d’argile présentent généralement des corps allongés et des formes angulaires. Plus tard, les cultures d’Afrique de l’Ouest ont développé des moulages en bronze pour les reliefs afin de décorer des palais tels que les célèbres bronzes du Bénin, ainsi que de très belles têtes royales naturalistes autour de la ville yorouba d’Ifé en terre cuite et métal des XIIe-XIVe siècles. Les poids en or Akan sont une forme de petites sculptures en métal réalisées entre 1400 et 1900, dont certains représentent apparemment des proverbes et qui présentent donc un élément narratif rare dans la sculpture africaine.

 

De nombreuses personnalités de l’Afrique de l’Ouest sont utilisées dans des rituels religieux et sont souvent recouvertes de matériaux placés sur elles pour les offrandes cérémoniales. Les peuples de la même région, parlant le mande, fabriquent des pièces en bois aux surfaces larges et plates. Les bras et les jambes ont la forme de cylindres. En Afrique centrale, toutefois, les principales caractéristiques distinctives sont les faces en forme de cœur incurvées vers l’intérieur et affichant des motifs de cercles et de points.

Les populations des Grands Lacs africains ne sont pas connues pour leurs sculptures. Cependant, l’un des styles de la région est celui des sculptures sur poteaux, sculptées de formes humaines et décorées de formes géométriques, tandis que les sommets sont sculptés de figures d’animaux, de personnages et d’objets divers. Ces pôles sont alors placés à côté des tombes et sont associés à la mort et au monde ancestral. La culture connue du Grand Zimbabwe laissait des bâtiments plus impressionnants que la sculpture, mais les huit oiseaux en pierre de savon du Zimbabwe semblent avoir eu une signification particulière et ont été montés sur des monolithes. Les sculpteurs zimbabwéens modernes en stéatite ont connu un succès international considérable. Les plus anciennes figures d’argile connues d’Afrique australe datent de 400 à 600 après J.-C. et ont une tête cylindrique avec un mélange de caractéristiques humaines et animales.

Ethiopie et Erythrée

La création de sculptures en Éthiopie et en Érythrée remonte à son passé antique avec les royaumes de Dʿmt et d’Axoum. L’art chrétien a été établi en Éthiopie avec la conversion du paganisme au christianisme au 4ème siècle de notre ère, sous le règne du roi Ezana d’Axum. L’imagerie chrétienne décorait les églises de l’époque asksumite et des époques suivantes. Par exemple, à Lalibela, des saints grandeur nature ont été sculptés dans l’église de Bet Golgotha; Selon la tradition, ils ont été fabriqués sous le règne de Zagwe, Gebre Mesqel Lalibela, au XIIe siècle, mais ils ont probablement été fabriqués au XVe siècle, pendant la dynastie des Solomoniques. Cependant, l’église Saint-Georges de Lalibela, l’un des nombreux exemples d’architecture taillée dans la roche contenant des sculptures complexes, a été construite aux 10ème et 13ème siècles, comme l’a prouvé l’archéologie.

Soudan

Dans l’ancien Soudan, le développement de la sculpture s’étend de la simple poterie de la culture Kerma débutant vers 2500 avant notre ère à la statuaire monumentale et à l’architecture du royaume de Koush, sa dernière phase – la période méroïtique – se terminant vers 350 de notre ère (avec sa conquête par Aksoum d’Éthiopie). Au-delà des objets en poterie, la culture Kerma fabriquait également des meubles contenant des sculptures, telles que des sabots de bovins en or servant de pieds à des lits. La sculpture pendant le royaume de Koush comprenait des statues grandeur nature (en particulier des rois et des reines), des figurines plus petites (le plus souvent représentant des serviteurs royaux) et des reliefs en pierre, inspirés de la tradition sculpturale égyptienne contemporaine.

Les Amériques

La sculpture dans ce qui est maintenant l’Amérique latine s’est développée dans deux régions distinctes et distinctes: la Méso-Amérique au nord et le Pérou au sud. Dans les deux zones, la sculpture était initialement en pierre, puis en terre cuite et en métal, à mesure que les civilisations de ces régions acquéraient une meilleure maîtrise de la technologie. La région mésoaméricaine a produit des sculptures plus monumentales, allant des œuvres massives en forme de bloc des cultures olmèque et toltèque aux superbes bas-reliefs qui caractérisent les cultures maya et aztèque. Dans la région andine, les sculptures étaient généralement petites, mais montraient souvent une habileté remarquable.

Précolombienne

Vers l’art moderne

Amérique du Nord

En Amérique du Nord, le bois a été sculpté pour les mâts totémiques, les masques, les ustensiles, les canoës de guerre et diverses autres utilisations, avec des variations distinctes entre les cultures et les régions. Les styles les plus développés sont ceux de la côte nord-ouest du Pacifique, où un groupe de styles formels élaborés et très stylisés s’est développé, formant la base d’une tradition qui perdure aujourd’hui. En plus des célèbres mâts totémiques, les façades peintes et sculptées étaient complétées par des poteaux sculptés à l’intérieur et à l’extérieur, ainsi que des figures mortuaires et d’autres objets. Parmi les Inuits de l’extrême nord, les styles de sculpture traditionnels en ivoire et en stéatite sont toujours en vigueur.

 

L’arrivée de la culture catholique européenne a aisément adapté les compétences locales au style baroque dominant, en produisant des retablos extrêmement élaborés et d’autres sculptures principalement d’églises dans une variété de styles hybrides. Le plus célèbre de ces exemples au Canada est le secteur de l’autel de la basilique Notre-Dame de Montréal, au Québec, qui a été sculpté par des ouvriers paysans et paysans. Plus tard, les artistes formés à la tradition académique occidentale ont suivi les styles européens jusqu’à la fin du XIXe siècle, puisqu’ils ont repris l’influence des peuples autochtones, notamment dans le style grotesque baroque mexicain appelé Churrigueresque. Les peuples autochtones ont également adapté la sculpture d’église dans des variantes du gothique charpentier; Un exemple célèbre est l’église de la Sainte-Croix à Skookumchuck Hot Springs, en Colombie-Britannique.

L’histoire de la sculpture aux États-Unis après l’arrivée des Européens est le reflet de la fondation des valeurs civiques de la république romaine et du christianisme protestant dans le pays, au XVIIIe siècle. Comparée aux zones colonisées par les Espagnols, la sculpture a démarré très lentement dans les colonies britanniques, n’ayant quasiment aucune place dans les églises, et n’a été stimulée que par la nécessité d’affirmer sa nationalité après l’indépendance. La sculpture américaine du milieu ou de la fin du XIXe siècle était souvent classique, souvent romantique, mais montrait un réalisme dramatique, narratif et presque journalistique. Les bâtiments publics au cours du dernier quart du 19e siècle et de la première moitié du 20e siècle ont souvent fourni un cadre architectural à la sculpture, notamment en relief. Dans les années 1930, le style international d’architecture et de design et le style art déco, caractérisés par les travaux de Paul Manship et de Lee Lawrie et d’autres, sont devenus populaires. Dans les années 1950, l’enseignement de la sculpture traditionnelle serait presque complètement remplacé par un souci du design abstrait influencé par le Bauhaus. La sculpture minimaliste a remplacé la figure dans les lieux publics et les architectes ont presque complètement cessé d’utiliser la sculpture dans ou sur leurs dessins. Les sculpteurs modernes (XXIe siècle) utilisent des dessins d’inspiration classique et abstraite. À partir des années 1980, il y a eu un retour en arrière vers la sculpture publique figurative; en 2000, bon nombre des nouvelles pièces publiques des États-Unis avaient un design figuratif.

Le classicisme moderne contrastait à bien des égards avec la sculpture classique du XIXe siècle caractérisée par des engagements envers le naturalisme (Antoine-Louis Barye) – la sentimentalité mélodramatique (François Rude) (Jean-Baptiste Carpeaux) – ou une sorte de majestueuse majesté (Lord Leighton). Au fil du siècle, la tradition classique a pris plusieurs directions différentes, mais l’étude du modèle vivant et de la tradition post-Renaissance leur restait fondamentale. Auguste Rodin était le sculpteur européen le plus renommé du début du XXe siècle. Il est souvent considéré comme un impressionniste sculptural, tout comme ses étudiants, dont Camille Claudel et Hugo Rheinhold, qui tentent de représenter un moment éphémère de la vie ordinaire. Le classicisme moderne a montré un moindre intérêt pour le naturalisme et un plus grand intérêt pour la stylisation formelle. Une plus grande attention a été portée aux rythmes des volumes et des espaces, ainsi qu’une attention accrue aux qualités contrastées de la surface (ouverte, fermée, plane, cassée, etc.), tandis qu’une attention moindre a été portée aux récits et aux détails convaincants de l’anatomie ou du costume. . Une plus grande attention a été accordée à l’effet psychologique qu’au réalisme physique, et des influences de styles antérieurs du monde entier ont été utilisées.

Parmi les premiers maîtres du classicisme moderne, citons Aristide Maillol, Alexandre Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, le Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. Au cours du siècle, le classicisme moderne a été adopté comme style national des deux grands empires totalitaires européens: l’Allemagne nazie et la Russie soviétique, qui ont coopté le travail d’artistes antérieurs tels que Kolbe et Wilhelm Lehmbruck en Allemagne et Matveyev en Russie. Au cours des 70 années d’existence de l’URSS, de nouvelles générations de sculpteurs ont été formées et choisies au sein de leur système. Un style distinct, le réalisme socialiste, s’est alors développé, qui a mis l’accent sur l’accent mis par le 19e siècle sur le mélodrame et le naturalisme.

La formation classique a été retirée de l’éducation artistique en Europe occidentale (et dans les Amériques) en 1970 et les variantes classiques du XXe siècle ont été marginalisées dans l’histoire du modernisme. Mais le classicisme demeura le fondement de l’éducation artistique dans les académies soviétiques jusqu’en 1990, fournissant une base pour l’art figuratif expressif dans toute l’Europe orientale et dans certaines parties du Moyen-Orient. En l’an 2000, la tradition classique européenne conserve un large attrait pour le public mais attend une tradition éducative pour relancer son développement contemporain.

Une partie du classique moderne est devenue soit plus décorative / art déco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles), soit plus abstraite ou stylisée ou plus expressive (et gothique) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) – ou tourné plus à la Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) ou restés les mêmes (Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modernisme

Les mouvements de sculpture modernistes incluent le cubisme, l’abstraction géométrique, le De Stijl, le suprématisme, le constructivisme, le dadaïsme, le surréalisme, le futurisme, le formalisme, l’expressionnisme abstrait, le Pop-Art, le minimalisme, le land art et l’installation, entre autres.

Au début du XXe siècle, Pablo Picasso a révolutionné l’art de la sculpture en commençant à créer ses constructions façonnées en combinant des objets et des matériaux disparates en une seule pièce de sculpture construite. l’équivalent sculptural du collage dans l’art bidimensionnel. L’avènement du surréalisme a parfois conduit à qualifier les choses de “sculptures”, telles que “sculptures involontaires” à plusieurs égards, y compris le coulage. Plus tard, Picasso devint un potier prolifique, entraînant avec un intérêt pour la poterie historique du monde entier, un renouveau de l’art de la céramique, avec des personnalités telles que George E. Ohr, puis Peter Voulkos, Kenneth Price et Robert Arneson. Marcel Duchamp est à l’origine de l’utilisation de “l’objet trouvé” ou “prêt à l’emploi” avec des pièces telles que Fountain (1917).

De même, les travaux de Constantin Brâncuși au début du siècle ont ouvert la voie à la sculpture abstraite ultérieure. En révolte contre le naturalisme de Rodin et de ses contemporains de la fin du XIXe siècle, Brâncuși résume les sujets jusque dans leurs essences, comme l’illustrent les formes élégantes et raffinées de sa série Bird in Space (1924).

L’impact de Brâncuși, avec son vocabulaire de réduction et d’abstraction, se voit tout au long des années 1930 et 1940, et illustré par des artistes tels que Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz et dans les années 1940, Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely et Frederick Kiesler, pionniers de l’art cinétique, ont eu un impact sur la sculpture abstraite.

Les sculpteurs modernistes ont largement manqué le grand essor de l’art public résultant de la demande de monuments commémoratifs de guerre pour les deux guerres mondiales, mais à partir des années 1950, le public et les commanditaires sont devenus plus à l’aise avec la sculpture moderniste et les grandes commandes publiques abstraites et figuratives sont devenues courantes. . Picasso fut chargé de faire une maquette d’une immense sculpture publique de 15 mètres de haut, appelée Chicago Picasso (1967). Sa conception était ambiguë et quelque peu controversée, et ce que la figure représente n’est pas clair; cela peut être un oiseau, un cheval, une femme ou une forme totalement abstraite.

À la fin des années 1950 et dans les années 1960, les sculpteurs abstraits ont commencé à expérimenter avec un large éventail de nouveaux matériaux et différentes approches pour créer leur travail. L’imagerie surréaliste, l’abstraction anthropomorphique, les nouveaux matériaux et les combinaisons de nouvelles sources d’énergie et de surfaces et objets variés sont devenus caractéristiques de nombreuses nouvelles sculptures modernistes. Des projets de collaboration avec des architectes paysagistes, des architectes paysagistes et des architectes paysagistes ont élargi le site extérieur et l’intégration contextuelle. Des artistes tels que Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois et Louise Nevelson en sont venus à caractériser le look de la sculpture moderne.

Dans les années 1960, l’expressionnisme abstrait, l’abstraction géométrique et le minimalisme, qui ramène la sculpture à ses caractéristiques les plus essentielles et les plus fondamentales, prédominaient. Certaines œuvres de cette période sont: les œuvres de David Smith de Cubi et les aciéries soudées de Sir Anthony Caro, ainsi que les sculptures soudées d’une grande variété de sculpteurs, l’oeuvre de grande envergure de John Chamberlain et les œuvres à l’échelle d’installation environnementale par Mark di Suvero. Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl André et John Safer ont également ajouté le mouvement et la monumentalité au thème de la pureté de la ligne.

Au cours des années 1960 et 1970, des artistes tels que Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham dans un style classique et articulé, et Fernando Botero figures ‘en sculptures monumentales.

Galerie de sculpture moderniste

Mouvements contemporains

Les œuvres d’art propres à l’environnement et à l’environnement sont représentées par des artistes: Andy Goldsworthy, Walter De Maria, Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, Christo et Jeanne-Claude ont dirigé la sculpture abstraite contemporaine dans de nouvelles directions. Des artistes ont créé des sculptures environnementales sur des sites immenses du groupe de projets “Le land art dans l’ouest américain”. Ces sculptures artisanales illustrées par des artistes tels que Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater) sont des œuvres d’art terrestre ou terrestre. Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman et Dennis Oppenheim, entre autres, ont été des pionniers de la sculpture postminimaliste.

Au cours des années 1960 et 1970, des artistes aussi divers que Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson et John DeAndrea ont exploré l’abstraction, l’imagerie et la figuration à travers l’art vidéo, l’environnement et la lumière. sculpture, et installation art de nouvelles façons.

L’art conceptuel est un art dans lequel le (s) concept (s) ou la (les) idée (s) impliqué (s) dans l’oeuvre priment sur les préoccupations esthétiques et matérielles traditionnelles. Les œuvres comprennent One and Three Chairs (1965), de Joseph Kosuth, et An Oak, de Michael Craig-Martin, et celles de Joseph Beuys, James Turrell et Jacek Tylicki.

Minimalisme

Postminimalisme

Genres contemporains

Certaines formes de sculpture modernes sont maintenant pratiquées à l’extérieur, comme art environnemental et sculpture environnementale, souvent à la vue du spectateur. Les sculptures légères, les sculptures de rue et les arts spécifiques aux sites utilisent souvent l’environnement. La sculpture sur glace est une forme de sculpture éphémère qui utilise la glace comme matière première. Il est populaire en Chine, au Japon, au Canada, en Suède et en Russie. Les sculptures de glace occupent une place de choix dans certaines cuisines, notamment en Asie. Les sculptures cinétiques sont des sculptures conçues pour se déplacer, notamment des téléphones portables. Les sculptures sur neige sont généralement taillées dans un seul bloc de neige d’environ 1,8 à 4,6 m (6 à 15 pieds) de chaque côté et pesant environ 20 à 30 tonnes. La neige est compactée sous une forme après avoir été produite artificiellement ou récupérée du sol après une chute de neige. Le son sculpté prend la forme d’installations sonores d’intérieur, d’installations extérieures telles que des harpes éoliennes, des automates ou plus ou moins près d’instruments de musique conventionnels. La sculpture sonore est souvent spécifique au site. Les jouets artistiques sont devenus un nouveau format pour les artistes contemporains depuis la fin des années 1990, tels que ceux produits par Takashi Murakami et Kid Robot, conçus par Michael Lau, ou fabriqués à la main par Michael Leavitt (artiste).

Préservation

Les sculptures sont sensibles aux conditions environnementales telles que la température, l’humidité et l’exposition à la lumière et aux rayons ultraviolets. Les pluies acides peuvent également causer des dommages à certains matériaux de construction et monuments historiques. Cela se produit lorsque l’acide sulfurique sous la pluie réagit chimiquement avec les composés du calcium dans les pierres (calcaire, grès, marbre et granit) pour créer du gypse, qui se détache ensuite.

À tout moment, de nombreuses sculptures contemporaines ont généralement été exposées dans des lieux publics. le vol n’était pas un problème car les pièces étaient immédiatement reconnaissables. Au début du XXIe siècle, la valeur du métal augmenta à tel point que le vol de sculptures en bronze massives devint un problème; des sculptures valant des millions ont été volées et fondues pour la valeur relativement faible du métal, une fraction infime de la valeur de l’œuvre d’art.

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